29/3/10

Biografía de The Who



The Who es una banda de rock formada en 1963. Originalmente se llamaba The Detours, aunque poco después adoptarían el nombre de The High Numbers para más adelante pasarse a llamar The Who.

Esta banda nació en Londres, Inglaterra. La alineación "clásica" estaba compuesta por Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra), John Entwistle (bajo) y Keith Moon (batería). Townshend era el principal compositor: escribió la mayor parte de las canciones de la banda y fue el responsable de los conceptos e historias de álbumes como Tommy y Quadrophenia y el proyecto Lifehouse. Entwistle también compuso una parte importante de las canciones de The Who, y fue responsable de algunos temas importantes de la banda, en los que cantó (Townshend solo cantaba en algunas de sus propias canciones).

De esa alineación sólo quedan vivos Pete Townshend y Roger Daltrey ya que Keith Moon falleció por sobredosis de pastillas en 1978 (por lo que fue reemplazado por Kenney Jones) y John Entwistle por una afección en el hígado en 2002.

Inicios

Cada uno de los eventuales miembros del grupo tocaron en diversos grupos: Pete Townshend y John Entwistle tocaron juntos por primera vez en una banda llamada The Confederates, y luego tocaron juntos en The Aristocrats y The Scorpions. Roger Daltrey era el guitarrista de una banda llamada The Detours.

Daltrey invitó a Entwistle a unirse a The Detours; Entwistle aceptó y dejó The Scorpions. Entwistle entonces le propuso a Daltrey que Townshend reemplazara a Reg Bowen en The Detours, lo que Daltrey aceptó. The Detours fueron completados por el vocalista Colin Dawson y el baterista Doug Sandom, con Daltrey como guitarrista principal. The Detours comenzaron a tocar bajo diversos nombres, incluyendo The High Numbers y Maximum R&B. La banda comenzó a llamarse The Who un poco antes de la llegada de Keith Moon (debieron cambiar de nombre porque había otra banda llamada The Detours). Durante una presentación, Townshend rompió su guitarra accidentalmente, lo que llevó a que la siguiente ocasión en que tocaron en ese lugar la gente quisiera que la rompiera de nuevo, y así lo hizo, mientras que Moon también destrozó su batería.

Durante un pequeño período durante 1964, cuando su manager era Peter Meaden, cambiaron su nombre a The High Numbers, y editaron el single "Zoot Suit/I'm The Face", que estaba orientado a sus fanáticos mod y tuvo poco éxito, por lo que la banda despidió a Meaden (que fue reemplazado por Kit Lambert y Chris Stamp) y se volvió a llamar The Who. La banda se convertiría rápidamente en una de las más populares entre los mods británicos, un movimiento de principios de los años 1960.

La banda comenzó a ser liderada por Townshend, ya que éste era el principal compositor (aunque Entwistle también haría contribuciones notables ocasionalmente). Townshend buscaba escribir material inteligente y desafiante, pero Daltrey prefería material energético y masculino (Daltrey ocasionalmente se rehusaba a cantar una composición de Townshend, por lo que debía ser cantada por este último), mientras que Moon era fan de la música surf de Estados Unidos.

"My Generation" y el éxito

El primer éxito de la banda fue "I Can't Explain" (un single que seguía el estilo de los Kinks de esa época, lo que los mánagers del grupo querían que Pete hiciera para atraer al productor de los Kinks Shel Talmy, consiguieron captar su atención y obtuvieron un contrato de 5 años con el mismo), que fue seguido por "Anyway, Anyhow, Anywhere", la única canción que coescribieron Townshend y Daltrey.

Al poco editaron su primer álbum: My Generation en Inglaterra y The Who Sings My Generation en Estados Unidos, que incluía himnos mod como "The Kids Are Alright" o "My Generation", que se recuerda por la frase "Hope I die before I get old" ("espero morir antes de llegar a viejo"), y que muchos consideran una de las primeras canciones punk. El álbum también contenía dos versiones de James Brown. The Who Sings My Generation es frecuentemente considerado uno de los álbumes más importantes de la historia del rock, y se destaca la performance de John Entwistle (en especial en la canción que da nombre al disco). Sin embargo, Lambert y Stamp estaban decepcionados por la falta de promoción que Decca la daba a los discos de la banda en Estados Unidos, por esto la banda rompió el contrato con Talmy y quedó en números rojos tras la demanda judicial de la discográfica.

Tras el éxito de su primer largo la banda publicó un single en 1966, "Substitute", que se convirtió en otra de las canciones más conocidas del grupo. Los siguientes singles, como "I'm A Boy" (que formó parte del primer intento de Townshend de crear una ópera rock), "Happy Jack" y "Pictures Of Lily", demostraban el creciente interés de Townshend alrededor de historias sobre confusión mental y sexual.

El segundo álbum se tituló A Quick One. Salió en 1966, e incluía un medley de 9 minutos llamado "A Quick One, While He's Away", al que más tarde denominaron "mini opera". Esta canción anticipó lo que luego sería llamado "ópera rock". A Quick One generalmente está valorado por debajo de su antecesor, debido a que para este disco, a causa de la situación económica del grupo, Moon y Daltrey se vieron obligados a hacer unas composiciones bastante irregulares. Sin embargo, la canción de Entwistle "Boris The Spider" se convirtió en una de sus contribuciones más relevantes. El álbum fue renombrado "Happy Jack" en Estados Unidos, por la referencia sexual del título.

La banda salió de gira por Estados Unidos, y sus actuaciones, que incluían la destrucción de instrumentos, les permitieron obtener un gran número de seguidores en ese país. Su presentación en el Festival de pop de Monterrey ayudó al grupo a nivel de popularidad. Durante ese verano, salieron de gira como teloneros de Herman's Hermits. En ese período se produjo un famoso incidente en el Holiday Inn de Flint, Michigan, durante el cumpleaños de Keith Moon, lo que consolidó su reputación. Se llegó a rumorear que tras el mismo se le prohibió a la banda volver a Holiday Inn, y que una de las consecuencias de esa noche de destrucción fue que un auto terminó en una pileta del lugar.

En 1967 publicaron su tercer álbum: The Who Sell Out. Este demostró las ambiciones de Townshend, que quería que los álbumes del grupo fuesen obras unificadas. Sell Out es un álbum conceptual que simula ser una transmisión de una estación de radio pirata llamada "Radio London", por lo que contenía jingles y avisos publicitarios entre las canciones compuestas por la misma banda. "I Can See For Miles" es la única canción del álbum que fue editada como single, y pese a que alcanzó uno de los 10 primeros puestos de muchas listas, Townshend estaba decepcionado con la recepción de la canción entre el público. Tanto el single como otras canciones del álbum demostraban una leve influencia de la escena del rock psicodélico de ese momento. The Who Sell Out también incluía una canción de una ópera rock nunca completada, llamada "Rael 1" (las versiones que incluyen bonus tracks también tienen a "Rael 2").

En 1968 la banda editó "Magic Bus", uno de sus singles más importantes. En ese año, Townshend (que había dejado las drogas y se había dado a las enseñanzas de Meher Baba), empezó a planear su siguiente álbum.

"Tommy": la primera ópera rock popular

1969: El grupo edita Tommy, un álbum doble que fue la primera ópera rock que ocupó todo un álbum del grupo, y una de las primeras de la historia del rock. Si bien no fue la primera (S.F. Sorrow de The Pretty Things salió un año antes), sí que fue la primera en tener éxito, y se destacó por el uso de temas (como "See Me, Feel Me"), que se repetían a lo largo del álbum y le daban una unidad de sonido, que al mismo tiempo ayudaba a seguir la historia (que trataba sobre un niño que queda ciego, sordo y mudo al presenciar un asesinato, para más tarde convertirse en un mesías). El primer single de Tommy, "Pinball Wizard", tuvo bastante éxito. Este álbum comenzó a mostrar la influencia de las enseñanzas espirituales de Meher Baba sobre Townshend. Más tarde se produjo una película basada en el álbum, que contaba con la participación, entre otros, de Elton John.

The Who en vivo (1969 – 1970)

A lo largo de su carrera, The Who se ha distinguido por sus conciertos. La banda participó en el festival de Woodstock de 1969. Esta presentación ayudó a que la popularidad de Tommy creciera enormemente. En 1970 el grupo edita el single "The Seeker", y ese mismo año graban Live At Leeds, su primer álbum en vivo, que fue grabado en la Universidad de Leeds. El álbum fue lanzado originalmente con 6 canciones pero en 1995 fue expandido con 8 canciones adicionales del mismo show, y además se editó una versión (la "Deluxe Edition") que incluía toda la interpretación de Tommy que también tocaron en esa misma fecha. Es considerado su mejor álbum en vivo, por ser el único que fue editado en su momento por la banda, y fue exitoso como consecuencia del éxito de Tommy.

La banda también participó en el Festival de la Isla de Wight de 1970. Esa presentación fue editada en 1996 como un álbum doble (Live At The Isle Of Wight Festival 1970). Townshend considera a esa presentación como una de las mejores del grupo.

Durante gran parte de los años 1970, The Who estuvo en el Libro Guinness de Récords como "la banda más ruidosa del mundo", con sus presentaciones llegando a los 130 decibeles (más tarde bandas como Deep Purple batirían su record). Esto, sumado a la destrucción de sus instrumentos (algo que harían con menos frecuencia desde Tommy), la personalidad de los integrantes y los "remolinos" de Townshend, hicieron que sus presentaciones en vivo alcanzaran un estatus mítico.

El proyecto "Lifehouse" y "Who's Next"

Townshend intentó llevar a cabo un álbum conceptual aún más ambicioso y complejo. En él pretendía tomar datos personales del público (edad, peso, altura, etc.) en los recitales, introducirlos en un sintetizador y utilizarlos para crear música. Este proyecto se denominó "Lifehouse" y no pudo ser finalizado por su complejidad y los problemas de Townshend. Sin embargo, gran parte de las canciones del mismo fueron lanzadas más tarde (como álbum solista de Townshend), y algunas de las mejores se usaron para el siguiente álbum del grupo, Who's Next, que se convertiría en su álbum más exitoso. Salido en 1971, Who's Next contenía nueve temas, incluyendo canciones como "Baba O'Riley" y "Won't Get Fooled Again", que se destacaban por el uso de sintetizadores, que solían establecer ritmos repetitivos (o se usaban para diversos efectos, como en "Bargain" y "The Song Is Over", y que iban a ser uno de los aspectos más importantes de "Lifehouse". El sonido es radicalmente distinto al de los discos anteriores de la banda: la voz de Daltrey había evolucionado y sonaba como un poderoso rugido, mientras que el sonido de la batería de Keith Moon había cambiado. Esto, sumado a los sintetizadores y la impecable producción, hicieron que Who's Next comenzara a ser considerado como uno de los primeros álbumes de arena rock, ya que era mucho más gran grandilocuente y ampuloso que sus antecesores.

Algunas de las canciones de "Lifehouse" (incluyendo "Pure And Easy" y "Naked Eye") aparecieron en el compilado Odds And Sods, y más tarde fueron agregadas como bonus tracks en versiones posteriores de Who's Next.

Antes del lanzamiento de Who's Next, Entwistle grabó el primer álbum solista de alguno de los miembros de la banda, Smash Your Head Against The Wall, y seguiría grabando álbumes solistas durante los siguientes años.

"Quadrophenia" (1973)

El siguiente álbum del grupo salió dos años después y se llamó Quadrophenia. Es otra ópera rock que trata sobre un adolescente llamado Jimmy, un mod. El título del mismo se refiere a un problema de identidad que tiene Jimmy en la historia: tiene cuatro personalidades distintas, cada una de las cuales representan a uno de los integrantes del grupo y son representadas en el álbum por medio de cuatro melodías que aparecen varias veces a lo largo del mismo. El álbum trata sobre la relación de Jimmy con sus padres, su ex-novia, sus amigos y los conflictos entre mods y rockers de principios de los años 1960, en Brighton. Quadrophenia, al igual que Tommy, también tuvo su película.

Quadrophenia siguió el estilo de su antecesor, con un rol aún mayor de sintetizadores además de un mayor uso de instrumentos de metal), lo que llevó a que sus detractores sostuvieran que es demasiado pretencioso y grandilocuente. Esto también causó que las presentaciones en vivo de la siguiente gira se complicaran, ya que la banda debía usar cintas pregrabadas, lo que en muchas ocasiones no funcionaba correctamente. Antes de que esa gira comenzara, la esposa de Keith Moon lo dejó y se llevó con ella a su hija, lo que causó que Moon comenzara a consumir más bebidas alcohólicas. Por esta razón se desmayó durante un show en San Francisco, por lo que debió ser sustituido por el resto del mismo por Scott Halpin, un miembro de la audiencia.

Problemas para la banda y muerte de Keith Moon (1974 – 1982)

Los problemas de Townshend comenzaron a aumentar: estaba cansado de tocar con la banda, comenzó a consumir alcohol más seguido, y sufrió un colapso nervioso, además de comenzar a sentirse más viejo por cumplir 30 años. Esto llevó a que el siguiente álbum de la banda, The Who By Numbers, fuese un álbum más depresivo y menos energético, que trataba sobre los problemas de Townshend. Durante la gira siguiente se le diagnosticó un caso de tinnitus (muchos especularon que había sido causado por los ruidosos conciertos del grupo, pero Townshend sostuvo que era por escuchar música con auriculares en un volumen demasiado alto), por lo que la agrupación dejó de tocar en 1976 por algún tiempo. Un crítico consideró a By Numbers como la "nota suicida" de Townshend. En 1977 Townshend grabó un álbum junto a Ronnie Lane llamado Rough Mix.

La banda regresó a los estudios en 1978, y grabó Who Are You, un álbum más accesible y con un mayor uso de sintetizadores. El mismo incluía una canción de John Entwistle de una ópera rock que nunca fue completada. En esa época, el grupo comenzó a grabar un documental sobre su historia llamado "The Kids Are Alright", que incluía, entre otras cosas, imágenes de sus presentaciones en vivo. Sin embargo, el 7 de septiembre de ese año (20 días después del lanzamiento del álbum), Keith Moon falleció mientras dormía, como consecuencia de una sobredosis de pastillas que se le habían recetado para controlar su alcoholismo.

Moon fue reemplazado por Kenney Jones, ex-miembro de The Small Faces y The Faces. La banda con el teclista John "Rabbit" Bundrick y una sección de bronces, pero el 3 de diciembre de 1979, durante un show en el Riverfront Coliseum (de Cincinnati, Ohio, Estados Unidos), se produjo una estampida de fans por la búsqueda de asientos, lo que causó la muerte de 11 de ellos. A la banda no se le aviso de esto hasta luego del show porque las autoridades temían que hubiesen más problemas si se cancelaba el concierto, lo que devastó a la banda.

Al año siguiente, Townshend edita su primer álbum solista, llamado Empty Glass, y al mismo tiempo, Daltrey actuó en la película McVicar (anteriormente había actuado en la película de Tommy). The Who grabó dos álbumes con Jones como baterista, Face Dances (1981) y It's Hard (1982), que seguían el estilo de Empty Glass, pero si bien éste fue bien recibido, tanto Face Dances como It's Hard suelen ser considerados los peores del grupo, pese a que ese último recibió una puntuación de cinco estrellas por parte de la revista Rolling Stone. Sin embargo, Townshend seguía teniendo problemas: luego de grabar Face Dances sufrió una sobredosis de heroína que casi acaba con su vida. La banda organizó un tour de despedida, tras el cual la banda iba a editar otro álbum (por obligaciones contractuales), pero Townshend abandonó el intento y desde entonces la banda dejó de grabar álbumes de estudio.

Reuniones y presentaciones en vivo

La banda volvió a tocar junta en el concierto Live Aid de 1985 (algo que volverían a hacer en la edición del año 2005 llamada Live 8), y tres años después recibió el "BPI Life Achievement Award", por lo que la banda tocó un pequeño set. La banda se volvería a reunir en varias otras ocasiones, durante 1989 y 1996, ya con la presencia de Zak Starkey como baterista (quien, pese a ser el hijo de Ringo Starr, aprendió a tocar gracias a Keith Moon), además de tocar en "The Concert for New York City", el show sobre el atentado del 11 de septiembre de 2001 en las Torres Gemelas, en el que fueron una de las bandas más aclamadas por la audiencia.

Durante una gira del año 2002, John Entwistle fue encontrado muerto en su habitación del Hard Rock Hotel de Las Vegas, Nevada. Una investigación demostró que su muerte se debió a un ataque cardíaco; se detectó una leve cantidad de cocaína en su cuerpo, lo que sumado a su uso regular de la misma por muchos años, podrían haber causado el mismo. Luego de un ligero retraso, la gira siguió con Pino Palladino como su reemplazante.

Nuevo álbum, Nueva Gira 2006

"Endless Wire" es el nombre del nuevo álbum de The Who (trabajo antes provisionalmente llamado "WHO2"), que en un principio saldría en la primavera de 2005, pero fue retrasado por diferentes causas, como la ausencia de Zak Starkey (batería) quien estaba de gira entonces con Oasis. El 24 de Diciembre de 2005, Pete Townshend y el representante de la banda Bill Curbishey anunciaron la intención de una gira mundial que comenzaría el verano de 2006 y se extendería hasta 2007, para promocionar material nuevo.

El 20 de Marzo, el cantante Roger Daltrey, confirmó la gira y anunció que él y Pete Townshend están continuando con el nuevo álbum , además de mencionar el título de una nueva canción, "Black Widow's Eyes". El 28 de Marzo, Pete Townshend en su sitio en internet, anunció que han trabajado en una mini-ópera, basada en su reciente obra literaria "The Boy Who Heard The Music". Esta mini-ópera, de 11 minutos de duración, fue lanzada justo antes de iniciar la gira en Europa en Junio, bajo el título "Wire And Glass" y como anticipo del nuevo álbum que saldrá a principios de octubre. Las canciones que integran la mini-ópera son 6 para la versión del sencillo y 10 para el álbum convencional. Las seis piezas que conforman "Wire And Glass" son: "Sound Round", "Pick Up The Peace", "Endless Wire", "We Got A Hit", "They Made My Dreams Come True" y "Mirror Door".

La nueva gira comenzó en Europa el 17 de Junio en la Universidad de Leeds en Inglaterra (en donde hace más de treinta años se grabó el legandario disco "Live At Leeds"). Para el repertorio se incluyeron nuevas canciones como "Mike Post Theme" o "Real Good Looking Boy", además de los clásicos de siempre, otros temas no tan escuchados y algunas piezas de Tommy y de Quadrophenia.

El concierto del 17 de Junio en Leeds fue grabado como su predecesor de 1970 y filmado para ser lanzado en CD y DVD a finales de 2006, posiblemente bajo el nombre "Live At Leeds II", que es como Roger Daltrey se refería a dicho concierto. Actualmente se encuentran de gira por Estados Unidos con el agravante del problema auditivo de Pete Townshend.

La gira norteamericana se extiende hasta principios de diciembre. Entre ésta parte de la gira será lanzado el 31 de Octubre el nuevo album ya titulado "Endless Wire", que incluye las versiones completas de algunas canciones de la miniópera, otras relacionadas como "Trilby's Piano" o "Fragments" (en la que Pete Townshend utiliza un método parecido al de "Lifehouse") y otras ajenas como "Mike Post Theme", "2000 Years", "Man In A Purple Dress", "Stand By Me" y las antes mencionadas. Probablemente continúen la gira a principios de 2007 en Sudamerica, Japón y Australia.

Fuente: http://www.quedeletras.com

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Biografía de Jethro Tull



Jethro Tull es el nombre de una original banda de rock progresivo británica, cuyo líder Ian Anderson es de origen escocés, que comenzó en 1968 y que ha trabajado de forma ininterrumpida siendo, tras los Rolling Stones el segundo grupo de rock más antiguo en actividad.

Desde sus inicios, este grupo ha vendido más de 60 millones de copias de sus más de 30 álbumes.

Siempre ha sido liderado por el flautista escocés Ian Anderson, que es el autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho el grupo se comporta como el apoyo de este músico, dado que es el único que ha estado en toda la historia de la banda, desde el primer disco, y sólo el guitarrista Martin Lancelot Barre se le acerca, estando desde el segundo disco.

La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes históricos en la historia del rock como Thick as a Brick y Aqualung, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro fue la primera banda en recibir un premio en los años 70 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.

Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años. El grupo ha pasado por diversas formaciones y estilos.

Fuente: http://www.bajamusica.com


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Biografía de Led Zeppelin


Led Zeppelin nace de la estela dejada por The Yardbirds, el legendario grupo en el que lideró Eric Clapton. En los últimos tiempos de los Yardbirs, figuraba el guitarrista Jimmy Page, quien anteriormente había hecho colaboraciones en bandas de la talla de los Rollinsg Stones, The Who, Them, etc. Cuando The Yardbirds se separaron en 1967, Jimmy Page funda junto al bajista Chris Dreja los que en principio se llamaron The New Yardbirds. El hecho de llamarse así se debe a que Jimmy y Chris se ven en la obligación legal de cubrir los conciertos que los Yardbirds tenía contratados antes de la separación. Por consejo de Terry Reid, Page escucha una audición de un joven cantante llamado Robert Plant. De inmediato, Plant es aceptado en la banda. Por aquella época época Dreja abandona el grupo y es sustituído por John Paul Jones como bajista. El puesto de batería lo ocuparía, después de varios tanteos, John Bonham.

Después de algunos conciertos, Led Zeppelin graba en octubre de 1968 el que sería su primer álbum, en apenas 30 horas de estudio. A finales de ese mismo año, firman un contrato por la discográfica Atlantic Records y comienzan una gira por los Estados Unidos.

En Enero de 1969 se publica el primer disco de Led Zeppelin, que muy pronto se coloca destacado en las listas de ventas con su estilo de rock heavy. Entre gira y gira, los Led Zeppelin graban su segundo álbum. titulado "II", con el que se aupan al número uno de las listas.

En octubre de 1970, Led Zeppelin publica su tercer trabajo, tiulado "III". Pero la consagración definitiva del grupo llegará en su cuarto trabajo, conocido como "IV", de 1971. Se trata del disco más vendido de Led Zeppelin e incluye canciones como "Stairway to Heaven", "Rock and Roll" y "When the Levee Breaks".

En 1973 Led Zeppelin publica un nuevo álbum, titulado "Houses of the Holy". Se trata de un disco en el que mezclan sonidos reggae con funk y con su propi estilo heavy. Este disco consigue directamente el número uno en Estados Unidos y en Gran Bretaña.

En 1974 Led Zeppelin crea su propio sello discográfico, con el que a partir de entonces publican sus propios trabajos. El primer trabajo de esta época es "Physical Graffiti", de 1975, un doble álbum que es considerado por sus fans como uno de los mejores de la banda. A este disco siguió una gira mundial que se vio truncada en agosto de 1975 por un accidente de Robert Plant.

En 1976 aparece "Presence", un notable trabajo de Led Zeppelin que, a pesar de ello, no obtiene el éxito de trabajos anteriores.

En 1979, tras un año de descanso, Led Zeppelin publica el que sería su último trabajo de estudio, titulado "In Through The Out Door". La tragedia golpea al grupo cuando en 1980 John Bonham es encontrado muerto en la casa de Jimmy Page tras una fiesta. El 4 de Diciembre de ese mismo año el resto de miembros de Led Zeppelin hacen pública su disolución. En 1982 aparece el que se podría denominar como álbum pçostumo de Led Zeppelin, titulado "Coda", con algunas grabaciones inéditas del grupo.

En 1988 los miembros de Led Zeppelin se reúnen en un concierto conmemorativo de los 25 años de Atlantic Records. Este hecho dispara los rumores de reaparición de la banda, pero dichos rumores nunca llegaron a fundamentarse.

En Noviembre de 2007 se publica la recopilación definitiva de Led Zeppelin. "Mothership" es un doble CD que contiene 24 canciones seleccionadas personalmente por Page, Plant y Jones e incluye verdaderos himnos rock como “Stairway to heaven” o “Kashmir”.
El disco se completa con un DVD que recoge 2 horas de canciones en directo extraídas del DVD "Led Zeppelin".

Fuente: http://www.todomusica.org


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Biografía de Emerson, Lake and Palmer


Supergrupo inglés de Rock Progresivo Sinfónico, formado a finales de 1970. Sus miembros eran Keith Emerson (Ex-tecladista de The Nice) Greg Lake (Ex-bajista de King Crimson) y Carl Palmer (Ex-baterista de Atomic Rooster).

Su música era atrevida y pretenciosa ya que fusionaban la Música Clásica, el Rock y el Jazz de una manera irreverente y espectacular. Su sonido era muy novedoso puesto que la base armónica era constituida por los instrumentos de teclado y no por las guitarras. Sus composiciones podrían ser pasadas por un análisis musical serio. Su organista y pianista Keith Emerson es -sin lugar a dudas- un virtuoso que sorpendió al mundo del Rock de igual manera que lo hizo Jimi Hendrix. Por su parte Lake y Palmer eran dos jóvenes instrumentistas bastante competentes que podían soportar sin problemas el trepidante arrojo de su tecladista.

Sus primeros cinco discos son considerados los mejores de su discografía, destacando dos obras maestras Tarkus (1971) y Brain salad Surgery (1973). Durante esta etapa el trío produjo un Rock altamente dinámico y poderoso haciendo incluso modernas rendiciones a obras clásicas como “Pictures at an exhibition” del músico ruso Modest Mussorgski.

Después de un año sabático (1975) el grupo inicia un nueva etapa en la que cada miembro presentaría trabajos en solitario. Contrario al plan inicial, estas nuevas piezas aparecieron bajo el nombre de Emerson Lake and Palmer y se editan en los tres volúmenes de la colección Works (1977). De estos álbumes procede el arreglo de Rock Sinfónico a la pieza de Aaron Copland “Fanfarre for the Common Man”.

A pesar de su gran capacidad musical, el trío fue propenso a caer en los excesos del estrellismo, creando un enorme aparato alrededor de sus conciertos. Por ejemplo: Emerson y su piano eran sujetados por grúas, dando vueltas de 180 grados en el aire, mientras ejecutaba un solo (!) Posteriormente acuchillaba su órgano hammond mientras lo tocaba Al revés (!). Esto tipo de desplantes fueron señalado por los nuevos rockeros como banalidades de unos rockeros millonarios y “vendidos”.

Sin embargo, el grupo no logró enriquecerse tanto como sus críticos lo hubieran creído. La gira de 1978 en la que planeaban llevar consigo a toda una orquesta sinfónica, tuvo que culminar a la mitad del camino por problemas financieros. Finalmente, la crisis llegó cuando el disco Love Beach (1979) reporta muy baja aceptación, provocando el rompimiento del trío.

En la decada de los ochentas hubo dos intentos por revivir a la trilogía sin que pudiera concretarse la reunión los tres miembros originales. En la primera “reunión” participó el excelente baterista de Heavy Metal Cozy Powell, en la segunda, el bajista-guitarrista Robert Berry. La tan ansiada reunificación llegaría hasta 1991 con el bien recibido disco Black Moon.

Desafortunadamente, en el año de 1998, nuevos desacuerdos llevaron a la disolución, al parecer definitiva de Emerson Lake and Palmer, quedando para la historia como el trío de Rock Sinfónico más espectacular del mundo. Igualmente, se señala su trabajo en los primeros años setentas, como un referente de gran importancia para la música contemporánea.

Biografía escrita por Rhayader para La Taberna De Rael
Fuente: http://latabernaderael.wordpress.com

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Biografía de Génesis



El génesis de Genesis está en las amistades de Tony Banks (tecladista) con Peter Gabriel (cantante) y Mike Rutherford (bajista) con Anthony Phillips (guitarrista). Ambas duplas empezaron desde la adolescencia a escribir y componer canciones que finalmente terminaron conformando Genesis. Los cuatro se juntaron en una secundaria inglesa.

Dos años después de haberse conocido, sacaron su primer disco (1967) bajo la dirección del productor que les dio su nombre: Jonathan King. "From Genesis To Revolution" (Del Génesis a la Revolución) tuvo la ingrata colaboración de un estudio que agregó orquestaciones contra los deseos de la banda. Además, el LP no tuvo mayor aceptación porque lo que estaba de moda era la música sicodélica.

El cambio de baterista y la etiqueta de rock progresivo para su música implicaron nuevas oportunidades para la banda. "Trespass", el siguiente disco de la banda, incluyó canciones más largas y variaciones en el uso de instrumentos en las canciones.

Inmediatamente después vino un cambio definitivo para la banda. Phillips dejó la banda y entró Steve Hackett y, nuevamente, los bolillos cambiaron de dueño: Phil Collins se encargaría de tocar los tambores. Vendría entonces el LP "Foxtrot" de 1972, en el que el grupo definió su estilo con temas larguísimos como "Supper's Ready", una locura de 23 minutos, pero que le valió el reconocimiento de la crítica y puso a Gabriel como estrella.

Genesis había optado por la calle. Actuaban en clubes y centros nocturnos con un espectáculo que costaba básicamente nada, pero que estaba adornado por máscaras y vestimentas. Sin embargo, subsistían con 10 libras esterlinas a la semana y sin derecho a dormir en ningún hotel porque era demasiado dinero.
Gradualmente, el grupo empezó a ver la luz de la popularidad gracias a que su espectáculo, junto con la música, se convirtieron en una especie de escapismo para las audiencias de zonas industriales como el este de los Estados Unidos, en palabras de Rutherford.

Fue en ese momento cuando "The Lamb Lies Down On Broadway" (El Cordero Está Echado en Broadway) alcanzó llegar a las listas. En ese momento Peter Gabriel dejó la banda para inicar una carrera en solitario. Rutherford recuerda: "No era que habíamos perdido el juicio. Estábamos seguros de que podíamos seguir escribiendo música porque Tony y yo habíamos hecho todo 'el Cordero'. Sin embargo, el asunto era si la gente iba a seguir aceptándonos." La gente aceptó, Collins, después de una búsqueda que nunca terminó, decidió encargarse del canto en "A Trick Of The Tail" (Un Truco de la Cola). El disco fue el más vendedor hasta ese momento.

En 1977 Steve Hackett deja el grupo, por lo que el núcleo creador se configura como un trío, que es retratado en el trabajo de estudio "...And Then There Where Three..." que se convertiría en el primer disco de oro en Estados Unidos para la formación. En este LP Rutherford hace de guitarrista y bajista y, junto con Banks, componen todo el material. Hubo que esperar a "Duke" en 1980, para que Phil Collins se mostrara como compositor, además de baterista y cantante. A partir de este momento Genesis se dedica a adaptar su estilo más a la voz de Collins, aunque manteniendo algo de su estilo inicial.

El paso a Collins implicó un manejo diferente del escenario. Ahora tenían una persona más cercana a la audiencia, pero pedieron el espectáculo camaleónico de Gabriel, además de ese estilo rokero inicial. Collins trajo consigo una aire más blusero, más jazzista.

Empezaban los 80, todos los miembros de Genesis estaban en los 30 años y eran la fuerza que se oponía a la aparición del Punk y se sentían exitosos. Banks recuerda sobre su popularidad: "hasta hoy no hemos tenido una sola discusión sobre dineros". Con las ventas aumentando en todo el mundo, se concentraron en mejorar sus presentaciones en vivo. En la gira de 1981-1982 batieron las marcas de asistencia a eventos públicos impulsados por un nuevo sistema de iluminación llamado Vari-Lite. Una década después eran los primeros en usar pantallas de video de alta definición en los estadios.

La década de los ochenta fue la más exitosa en materia comercial. "invisible Touch" el disco de 1986 logró colocar cinco canciones en el Top 10 norteamericano. "A pesar de la percepción de los medios de comunicación, nunca fuimos una banda de sencillos", dice Rutherford. "En nuestra cabeza éramos una banda que tocaba canciones largas pero que logró colocar algunos éxitos". La gira que acompañó el disco, fue la más vendedora de ese año. Al año siguiente, los lectores de la revista Rolling Stone los declararon la banda del año 86.

Después del éxito de "Invisible Touch" el grupo se separó para que cada cuál hiciera sus propios proyectos personales. Banks y Collins se dedicaron a hacerlo basados en sus imágenes, en tanto Rutherford montó el grupo Mike And The Mechanics.

En 1991 se reunieron para grabar "We Can't Dance" (No Podemos Bailar) del que se extrajeron "Jesus, He Knows Me" y "No Son Of Mine". Esto impulsó ventas de 10 millones de copias a nivel mundial, el disco más vendedor del grupo hasta la fecha y con la audiencia más grande que hayan tenido en Inglaterra cuando se agotaron las entradas en dos conciertos en Knebworth, en 1992. "Estábamos sorprendidos que Phil aún quisiera grabar un disco de Genesis", recuerda Banks. "Éramos leales el uno al otro, pero la presión debida a su éxito como solista hacía muy difícil que funcionáramos como una banda".

Luego de otra separación para proyectos en solitario Phil Collins se separó definitivamente en 1996. "Se nos ocurrió, brevemente, que debíamos poner a descasar a Genesis", dice Rutherford. "Sin embargo, Tony y yo no hemos parado de escribir canciones desde nuestra adolescencia, entonces pensamos, ¿Por qué rendirnos ahora? Un grupo es un compromiso. Phil fue bueno en momentos específicos, igualmente hemos sido felices trabajando con formaciones más grandes. Ahora el balance ha cambiado nuevamente."

De esta voluntad renovada surgió el vigésimo álbum del grupo: "Calling All Stations" (Llamando a Todas las Estaciones). En él hay un nuevo vocalista, Ray Wilson, el tercero en 30 años. Wilson canta desde los 14 años y se unió a la banda a los 28. Su voz está más cerca de Gabriel que de Collins, lo que llevó a un disco más rockero. "Nos gustó Ray al instante por las imágenes que evoca su voz", dice Banks. "Tiene una oscuridad natural. Con Ray podemos escribir de una forma más pesada, más atmosférica, que lo que hacíamos con Phil. También nos gustó que no tenía demasiada historia". Una de las cosas que llamó la atención de este nuevo vocalista fue su capacidad para adaptarse al grupo, pero además de componer 3 canciones para un disco de una banda con tanta historia y peso.

En 1998 Genesis presentó una colección musical llamada "Genesis Archive (1967-75)" en el que se incluyen temas que nunca habían sido escuchados antes. A finales de 1999 llegan de nuevo a las listas con una colección de éxitos comerciales llamada "Turn It On Again". Este disco motivó la reunión de la alineación clásica de la banda para la regrabación de "The Carpet Crawlers" de 1974. Banks, Collins, Gabriel, Hackett y Rutherford se dieron cuatro gustos volviendo a tocar juntos.

¿Qué le espera a Genesis? Rutherford: "Realmente no lo sé. Nunca sé lo que va a pasar. No hemos pensado sobre lo que haremos más adelante. No hay nada planeado por el momento, pero realmente nunca lo hay. Es un poco difícil para Genesis en este momento, de hecho para muchos actos viejos, para se honesto. No me puedo quejar, han sido 30 años de simple navegar, pero no lograr que tu música suene en las radios hace cualquier cosa que hagas un poco más difícil."

Banks por su parte dice que "Mi percepción es que el tiempo de Genesis se ha terminado. No hemos tomado una decisión definitiva todavía, a decir verdad. Decidiremos sobre eso. Hemos tenido una carrera fantástica y no puedo pensar en una razón para terminarla en un punto bajo. Está todo cuesta arriba en este momento. No sé. La clase de música que mejor hacemos, particularmente a la que queríamos volver con 'Calling All Stations' está bastante fuera de moda. Sin embargo, por el moment, no hay planes de volver al estudio con Ray, hay que ser honesto. Vamos a revisarlo, pero hay que decir que es muy probable que estemos cerca del final."

A pesar de todo, el único que tiene en sus planes volver a grabar con Genesis es Phil Collins quien lo ha hablado con Banks y Rutherford. Habrá que esperar, ojalá que no sea mucho.

Fuente: http://www.radiodos.com

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Biografía de Yes


Yes, una de las bandas pioneras del Rock Progresivo, formada en 1968. Influenciados en sus inicios por bandas precursoras del rock más experimental como The Who; más el estilo melódico Everly Brothers; y los multifaceticos Crosby Stills Nash & Young. Rápidamente evolucionarían a un estilo propio, caracterizado por complejas y recargadas armonías, tomando diversos elementos del Jazz, de la música clásica, junto con sus melódicas canciones y un enigmático contenido onírico y poético.

Más duros y menos dramáticos que Genesis y menos electrónicos que los entonces psicodélicos Pink Floyd, el rock de Yes marcaría la historia con clásicos como «Fragile», «Close To The Edge» y «Tales From Tophographic Oceans». además de registrar la participación de Rick Wakeman y Patrick Moraz en teclados.
Los continuos cambios en su formación nunca mellaron la calidad de sus composiciones ni mucho menos de sus interpretaciones. La calidad, la versatilidad y la pericia interpretativa son signos distintivos de Yes.

Historia y secretos de la Banda
Después de cantar para grupo Warriors y de editar un single como solista con el seudónimo de Hans Christian - en 1968-, Jon Anderson conoce a Chris Squire en La Chasse, Club del softbell londinense, quien ya había tenido una interesante participación en los Syn, una banda pionera en la vanguardia electrónica y psicodelica.

Junto a Peter Banks en guitarras, Bill Bruford en la batería, y finalmente Tony Kaye en teclados Hammond, se gesta así la primera alineación del que sería uno de los mayores nombres del rock progresivo y el tecno rock de la década setenta y ochenta.

En 1969 graban su álbum debut «Yes». Gracias a este trabajo, Melody Maker, calificó a los Yes como la banda revelación 1969.

Su segundo vinilo fué al año siguiente y se llamó “Time and a Word”. En este trabajo se incorporó a una orquesta de cámara que reemplazó gran parte del protagonismo de las guitarras de Peter Banks, con el consiguiente disgusto de éste. Pero la banda tampoco estaba contenta con el desempeño del guitarrista. Sumando ambas cosas el resultado fue una rápida salida del guitarrista.

Su reemplazo fue el virtuoso Steve Howe, que luego de rechazar ofertas de bandas como The Nice o Jethro Tull, aceptó la oferta de unirse a Yes. Howe, sale en la tapa del disco, edición americana, Time and A Word, por un error de edición, ya que él tan sólo colaboró en la gira presentación y el no grabaría un disco junto a la banda hasta el año 1971 donde grabaron unos de sus mejores álbumes: » Yes Album» que llegó a ser número 7 en los charts en en Reino Unido.

Jon Anderson y Chris Squire quieren avanzar y crecer, y creen que el tecladista Tony Kaye no posee la actitud ni la habilidad necesaria para hacerlo. Kaye rechazo la idea de modificar el sonido de la banda además de negarse a usar de los entonces novedosos sintetizadores y aferrándose al sonido ya clásico del órgano Hammond. Entonces, Kaye, fue despedido por la ventana y Anderson y Squire lograron convencer al eximio tecladista Rick Wakeman, quien a principios de 1972 se une a la banda.
Y lo hace con un estilo ostentosamente diferente al modesto rol de Tony Kaye. Wakeman fue la cereza del postre que permitió la creación del clásico sonido de Yes. Su debut fue el álbum insignia de Yes: “Fragile”. Este álbum puso de manifiesto el talento individual de cada uno de sus integrantes no sólo como intérpretes sino también como compositores, ya que además de los temas de composición colectiva, incluye composiciones personales de cada uno de sus integrantes, ostentando no sólo el virtuosismo individual, sino además la creatividad y la inspiración en la composición de cada uno de sus integrantes.El disco llegó al puesto 13º en las listas norteamericanas.

Ese mismo año sale Close to the Edge, disco considerado como una obra maestra del Rock Progresivo de todos los tiempos. Luego de este éxito, Bill Bruford, cansado de sus roces con Squire y motivado por su inclinación al Jazz y a la música más experimental, decidió abandonar Yes para unirse a Robert Fripp y a John Wetton en King Crimson. Luego de eso sacan su primer disco en vivo, Yessongs, un set de tres LPs, en donde Alan White, (quien había participado acompañando en la batería a músicos como John Lennon, George Harrison y Frank Zappa), ingresa a la banda y perdura hasta el día de hoy.

En 1973 editan Tales From Topographic Oceans, que puso de manifiesto la nueva onda mística y excéntrica de Anderson y Howe. A Rick Wakeman no le agradó este trabajo y al respecto dijo: »no se puede tocar lo que no se entiende y yo no entendí nada de ese disco», por lo que al poco tiempo abandonó la banda. Fue reemplazado por el suizo Patrick Moraz, quien colaboró en la creación del siguiente disco en al año 1974: “Relayer”. La llegada de Moraz se produjo en medio de rumores que ligaban al tecladista griego Vangelis con la banda, lo que no se concretó. Rick Wakeman retornaria en 1977 con el álbum “Going for the one”. Esta alineación se mantuvo para grabar en 1978 su siguiente producción, Tormato, lanzada el 20 de Septiembre de 1978.

Jon Anderson y Rick Wakeman, en busca de nuevos horizontes trataron de orientar el sonido progresivo de Yes hacia el New Age. Sin embargo, el desencanto del resto de la banda con las ideas musicales de Jon y Rick, quienes habían monopolizado gran parte del trabajo creativo, resultaba más que evidente, además del cansancio y la presión por encontrar un nuevo sonido en respuesta a las nuevas tendencias musicales, comenzó a causar constantes fricciones entre ellos. Finalmente Alan White sufre un accidente y se fractura el tobillo, lo cual obliga a la banda a tomar un receso. Sin embargo, en ese momento Anderson y Wakeman aún creen que lo mejor para la banda es tomar un descanso creativo y seguir cada cual por su cuenta trabajando en proyectos individuales y de este modo recibir la inspiración musical al interactuar con otros músicos, ignorando de algún modo lo que se vendría más adelante. Chris Squire llega a conocer a Trevor Horn y Geoffrey Downes, de The Buggles, quienes con su sonido comercial, tecno y electrónico habían tenido un éxito masivo en 1979 con «Video Killed the Radio Star» promocionado por la naciente MTV, resultaron ser fans incondicionales de Yes desde la adolescencia, por lo cual acceden gustosos ante la invitación a participar en los ensayos luego de que estos ofrecieran a Chris, Steve y Alan una canción compuesta por ellos para interpretar en sus ensayos (La canción resulto ser «We Can Fly From Here»). Luego de algunos ensayos, Chris, Steve y Alan deciden que estos sean los reemplazos para Jon Anderson y Rick Wakeman.

Pese a la renuencias de Trevor Horn para reemplazar a Jon Anderson, puesto que nunca antes había cantado para un público masivo, finalmente fue persuadido frente al entusiasmo de Chris Squire. Fue así como ante el asombro de los fans y la critica y de los mismos Jon Anderson y Rick Wakeman, son reemplazados por Trevor Horn y Geoffrey Downes. Con esta alineación se grabó Drama en Agosto de 1980. Pese al éxito comercial del álbum, número dos en ventas en el Reino Unido y disco de oro en Estados Unidos, para los “yesmaníacos” Yes estaba acabado. La insatisfacción de los fans por la disfonía de Trevor Horn en las presentaciones en Inglaterra al intentar forzar su voz para igualar al agudo registro de su predecesor, terminó con abucheos y algunos incidentes por parte del público, pese al esfuerzo de Chris Squire por cubrirlo como segunda voz en casi todas las canciones. Así, Trevor Horn decide abandonar la banda, decepcionado por la mala recepción del público y la crítica despiadada de los medios. Una vez finalizada la gira programada para Inglaterra, el resto de la banda, decepcionados, cansados y hartos de la mala acogida por parte del público, deciden terminar con Yes.

En 1982, Chris Squire, Alan White, el guitarrista sudafricano Trevor Rabin, Jon Anderson, y el tecladista fundador Tony Kaye reencarnan a Yes.

La nueva alineación grabó en 1983 junto su automarginado compañero Trevor Horn, esta vez no como productor. El álbum se llamó 90125. Gracias a 90125, la banda logra adherir una nueva generación de fans. Ya no tan progresivo y si más comercial. Tratando de repetir la magia de 90125, (en lo que a ventas se refirere), graban Big Generator (1987).

En 1989, Jon Anderson, cansado de su marginación creativa al interior de Yes, y desencantado del rumbo comercial que había tomado la banda, decide volverse a reunir con sus antiguos compañeros en Yes: Bill Bruford, Rick Wakeman y Steve Howe. Es así como juntos nuevamente vuelven a la escena musical con el nombre de Anderson-Bruford-Wakeman-Howe, o «ABWH». En realidad este nuevo proyecto de Jon Anderson y compañía no era otra cosa que una nueva encarnación del un Yes más sinfónico y conceptual a modo de los setenta. No obstante, no pudieron usar el nombre «Yes», puesto que le pertenecía a Chris Squire. Pero esto no les impidió seguir adelante con el proyecto. Después de grabar su único disco en estudio, llamado igual que la banda, se lanzaron a un tour mundial, (An Evening of Yes -1994-), junto con el eximio bajista Tony Levin.

Y así fue que en 1990, un Yes de Inglaterra ABWH y otro de Los Angeles con Rabin, Squire, White, y el joven Billy Sherwood estaban preparando cada uno por su lado sus nuevos trabajos en estudio.

Anderson y Squire conversaron y decidieron combinar el trabajo de ambas bandas en un set de 15 temas llamado «Union». De este modo, en el papel esto formó un «Mega-Yes», con una alineación de ocho miembros: Anderson, Squire, Kaye, Bruford, Howe, Wakeman, White y Rabin. Aunque en la práctica estas dos bandas nunca se reunirían o colaborarían en un estudio, realizando cada una de ellas su trabajo de manera totalmente independiente.
Anderson, Howe y Bruford, ya sin Wakeman, aparecerían un año más tarde (1993) junto al bajista Tim Harries, los tecladistas Julian Colbeck, David Palmer, (ex miembro de Jethro Tull), y con la producción de Alan Parson y Ian Anderson, (Lider de Jethro Tull), más la adición de The London Symphonic Orchestra y The English Chamber Orchestra. El producto de esta unión daría como resultado el álbum titulado Symphonic Of Yes Music.

En 1994, la alineación de Yes volvió a reducirse a Trevor Rabin más compañía, (Squire, Kaye, White) más el cantante Anderson. Estos grabaron el álbum, Talk. Un total fracaso comercial. Después de esto y en medio de cierta inestabilidad, Howe y Wakeman volvieron a la banda, resucitando a la alineación más legendaria y clásica de Yes. Asi llegó Keys to Ascension y Keys to Ascension 2, en 1996 y 1997. Ambos discos eran una mezcla de canciones en vivo y de estudio. Wakeman nuevamente, sale de la banda en 1997. Y sin él es que ese mismo año otro fracaso. Chris Squire y Billy Sherwood editan Conspiracy en 1999. Con la alineación editan “Open Your Eyes”, sale “The Ladder» en el mismo año. Para el 2000, otro disco en vivo es editado: House of Yes: Live from House of Blues.

En el 2001 el cuarteto de Anderson, Howe, Squire y White tratando de re-encontrarse con un sonido más clásico y propio se unen para sacar su próximo disco: “Magnification”. Por enésima vez, Rick Wakeman, decide volver a Yes en Julio del 2002, agregándose en el segundo pie de la gira promocional de Magnification por Estados Unidos. Luego de esta extensa gira que finalizó en septiembre del 2004, el grupo decide tomar un receso.

A partir de 2005 los integrantes de la banda se encuentran sumergidos en proyectos individuales paralelos a Yes.
En 2007 Jon Anderson sufrió un serio problema de salud, provocado por una crisis asmática que casi le cuesta la vida y que motivó la interrupción de la gira que estaba iniciando Yes. Sorpresivamente, Chris Squire decidió reemplazarlo por el cantante canadiense Benoit David (quien integraba una banda tributo de Yes). También se integró como tecladista Oliver Wakeman, hijo de Rick. La gira programada para 2008 quedó suspendida por problemas de salud de Chris Squire, y en 2009 no se sabía cuándo podría reanudarse.

Fuente:http://www.lastfm.es

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Biografía de The Doors



La carrera de The Doors fue corta, tan sólo duró cinco años, pero fulminante e intensa. Jim Douglas Morrison, un poeta rebelde y amante del cine, conoce a Ray Manzarek en 1966 en la Universidad de UCLA. Ray era un pianista apasionado por el rhytm'm blues.

Poco después, al dúo se une John Desmore como baterista y a la guitarra Robbie Krieger, comenzando a tocar blues en un local de Sunset Bulevard, donde Morrison, un tanto tímido, pierde su miedo escénico, cogiendo soltura sobre el escenario y creando una forma muy particular de moverse ante un micrófono. Sus carnosos labios, su melena suelta y unos pantalones de cuero que le hacían de segunda piel, le convierten en todo un sex symbol digno de ser modelo de Miguel Angel. Por medio de contorneos sensuales, era capaz de hipnotizar al público, con lo que se gana el mote de "Rey Lagarto".

La vida musical de The Doors transcurre en plenos años setenta: paz, amor, drogas y sexo libre; manifestaciones estudiantiles, el antimilitarismo, antiguerra de Vietnam y otro canutito de la hierba de la risa, por favor. The Doors deciden ser la parte amarga del movimiento, el otro lado de la moneda, escribiendo auténticas poesías musicadas sobre el terror, la violencia, la culpabilidad, el desamor y, sobre todo, sobre la muerte. Prueba de todo esto es el otro sobrenombre de Morrison, “el poeta de la muerte".

En enero de 1967 editan su primer disco, "The Doors", que lentamente se convierte en uno de los discos favoritos del underground, hasta que, con un poco más de tiempo, consigue hacer la competencia directa a los mismísimos Beatles y su "Sargent Pepper's", colocándose en el número 2 de ventas.

Su segundo disco sale ese mismo año. Las letras de “Strange Days” se escribieron al mismo tiempo que aparecía en el mercado “The Doors” , y desde la distancia del tiempo uno tiene la certeza que los mejores temas se escogieron para el disco debut. Por esta razón, el segundo trabajo de la banda no es tan sólido ni tan conmocionante como su presentación, aunque sí una muy buena continuación de su álbum clásico. Además del tema "Strange Days", los puntos culminantes del álbum incluyen el tema funk "Moonlight Drive", el misterioso "You're Lost Little Girl" y el rítmico "Love Me Two Times". Para este álbum, Ray Manzarek realiza una gran innovación, siendo el primer músico de la historia en utilizar un nuevo instrumento electrónico llamado melotrón.

Cuando editan su tercer álbum, “Waiting for the Sun” (1968), ya eran considerados como el mejor grupo de rock norteamericano de la historia. Sus siguientes trabajos no tuvieron una fuerte acogida, en gran parte a que Morrison comenzaba a sentir cierta apatía hacia el mundo del rock, hasta que en 1970, con "Morrison Hotel", el cantante vuelve a poner toda la carne en el asador para firmar uno de los mejores discos de la banda.

Sin embargo, el éxito de la banda embutieron a Morrison en un mundo lleno de alcohol y drogas, subiendo al escenario con auténticos “ciegos” lo que le llevaba a provocar y escandalizar al público. Este fue el comienzo de su autodestrucción. Su comportamiento le llevó a tener problemas con el FBI, acusado de obsceno, conducta lasciva y exhibición indecente.

A finales de 1970 Morrison estaba cansado de su papel de estrella de rock y prefiere ser reconocido como poeta. Esta decisión le lleva a mudarse a París en marzo de 1971, donde le esperaba su novia Pamela Curson. En la madrugada del 3 de julio, Pamela encuentra al cantante muerto por sobredosis en la bañera. Este fue el final de The Doors, pero el comienzo de una leyenda.

Nadie vio el cadáver de Jim, salvo Pamela y el forense, y el manager tardó seis días en comunicar la noticia a la prensa. Todo esto llevó a pensar a sus fans que Jim no estaba muerto sino retirado en algún paraje perdido. Estos rumores se vieron acrecentados cuando en 1978 los restantes miembros del grupo comenzaron a buscar las cintas que Morrison había grabado recitando su poesía. Tras encontrar este material se pusieron manos a la obra y las pusieron música. Se edita así “An American Prayer”.

Han pasado 30 años desde la muerte de Morrison, y nada se sabe de él, si estará muerto o no sigue siendo un misterio. Su tumba sigue siendo un lugar de culto para muchos y de profanación para otros, incluso algunos dudan sobre si estará enterrado allí. Esta es la amarga historia de un poeta, cantante, filósofo y sex symbol al que la muerte convirtió en leyenda. Una persona que lo tuvo todo y el todo acabó con él.

Fuente: http://musica.hispavista.com

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Biografía de Pink Floyd




En 1965 llegan a Londres en oleadas el pop de Andy Warhol, la era del LSD, el flower power, la psicodelia... en definitiva, una nueva manera de ver el mundo que rápidamente fue absorvida por el rock. En Gran Bretaña, el sonido Canterbury comenzó a compilar toda la información que de las Américas llegaba y los primeros compases de esa música que intentaba romper con lo establecido, comenzaron a sonar.


En este contexto, dos compañeros de colegio llamados Roger Waters y Nick Mason, deciden formar un grupo llamado Sigma 6. Con Waters a la guitarra y Mason a la batería comienzan a recoger a otros conocidos para crear un auténtico grupo. Rick Wright y Clive Metcalf se ocupan de la guitarra y el bajo respectivamente. Además de ellos, introducen a dos cantantes: Juliette Gale y Keith Noble. La formación no es en absoluto estable, de hecho cambia varias veces de nombre y de componentes, unos van y otros vienen. La última incorporación es un guitarrista con cara de alucinado (gracias a su afición a los alucinógenos) llamado Syd Barret.

De la unión de los nombres de dos intérpretes de jazz, Pink Anderson y Floyd Council, el nuevo componente del grupo decide bautizar a los supervivientes de la formación original. Waters (ahora bajo y voz), Mason, Wright (que se pasa a los teclados) y Barret (ahora también voz) pasan a llamarse Pink Floyd Sound.

Después de varias actuaciones que hacen que público y crítica vuelvan sus ojos hacia ellos, el 23 de diciembre de 1.966, en la inauguración del londinense UFO Club, los cuatro músicos dan su primer concierto con el nombre ya definitivo, Pink Floyd, y consiguen su primer contrato con una casa discográfica, EMI.

El 11 de marzo de 1967 se publica Arnold Layne, su primer single, que consigue ser prohibido en varias emisoras británicas debido a la temática de las drogas y que demuestra el talento de Barret. A este single le seguirá See Emily Play, que será la antesala del primer álbum de Pink Floyd.

El 5 de agosto de ese mismo año es editado The Piper at the Gates of Dawn. El primer LP de Pink Floyd es una muestra más de que el genio de Syd Barret va más allá de lo que ningún músico de su época haya podido imaginar.

Pero la repentina fama y las drogas hacen mella en el líder del grupo, necesitando entonces un guitarrista que acuda en condiciones a las reuniones y conciertos del grupo, dando entrada a principios del 68 a otro guitarrista amigo del colegio, David Gilmour. Un mes después, Syd Barret deja de ser componente del grupo. Aun así, el nuevo LP del grupo, A Saucerful of Secrets, lleva todavía material de Barret en al menos tres canciones, pero esa es su última aportación al grupo. Al mismo tiempo los conciertos van aumentando.



Todo el material cabía en una furgoneta.... Eran otros tiempos

A continuación vendrán More (banda sonora del film de Schroeder) y Ummagumma. En éste último encontramos un doble LP, una revisión en directo de temas anteriores es el contenido de uno de ellos y el trabajo en estudio de cada uno de los componentes el del otro.

Tras aportar tres canciones a la película Zabriskie Point, de Michelangelo Antonioni, lanzan Atom Heart Mother en 1970, un paso más en su búsqueda de la perfección sonora. EMI, aprovechando el tirón, edita Relics, un conjunto de sus primeras canciones. Un año después vendrá Meddle, una continuación de la línea que hasta ese momento llevan pero que no aporta nada nuevo. Más tarde filman Pink Floyd at Pompeii y vuelven a trabajar con Barbet Schroeder en otra película, La Vallée, dando lugar a su siguiente trabajo, Obscured by clouds.

En marzo del 73 se produce un punto y aparte en la historia de Pink Floyd. The dark side of the moon es el salto al gran público. Es el equilibrio entre la vanguardia y la comercialidad. Este LP consigue estar ¡¡¡740!!! semanas en la Billboard vendiendo más de 23 millones de copias. Con este gran éxito inician una serie de giras y se instalan definitivamente en el Olimpo de las estrellas del rock.

Dándose un respiro tras el éxito del álbum, se dedican a experiencias musicales en solitario y alejadas del grupo. Todo sigue así hasta septiembre del 75, fecha en que aparece Wish you were here, un álbum en la línea del anterior que sigue sus pasos en cuanto a ventas aunque no consigue igualarlo.

Con su siguiente LP, Animals, vuelven a su interés inicial por descubrir nuevos mundos en la música. Con sus conciertos, con un enorme cerdo volando y una pantalla redonda que se convertirán en la marca de sus directos, avanzan hacia un nuevo concepto visual que hipnotiza a los espectadores.

Mientras el resto de miembros del grupo se dedican a proyectos particulares, Roger Waters emplea el tiempo en componer la obra de su vida. The Wall. Cuando Waters enseña a los demás las primeras grabaciones, todos desean que se convierta en el nuevo disco de Pink Floyd. Así, en noviembre de 1.979, The Wall se publica y comienzan los macroespectáculos en directo en Los Angeles, Nueva York, Londres y Dortmund.

A finales del 81 y en vista del silencio de los componentes, se edita A collection of great dance songs, una recopilación de sus últimas canciones. En este intermedio Waters decide hacer una película basada en la música y la idea que ha sido éste último disco. En julio del 82 se estrena The Wall, película dirigida por Alan Parker, protagonizada por el cantante Bob Geldorf y con animaciones de Gerald Scarfe.


Las fantasmagóricas luces en sus conciertos son uno de los pilares que sustentan sus shows

A partir de ahí Waters considera que ya está todo dicho y que será él quien decida cuando habrá llegado el momento de que Pink Floyd deje de existir. Ante esta situación de dominio sobre los demás componentes del grupo, Rick Wright decide dejar la formación. Así en el 83 sale a la venta The final cut, más de lo mismo pero sin la garra del disco doble.

Es realmente el último coletazo con Waters al mando.

Todos se dedican a sus carreras en solitario pero por otro lado intentan reflotar el grupo, sin Waters por supuesto. Tras contínuas disputas, Roger Waters manda una carta a EMI diciendo que abandona Pink Floyd e interpone una demanda en los tribunales londinenses para evitar que se vuelva a utilizar el nombre del grupo en más proyectos. A finales de 1.986 el Alto Tribunal de Londres declara que los derechos sobre el nombre del grupo pertenecen a aquellos que no lo han abandonado oficialmente: Gilmour y Mason.

Mientras Waters se dedica a su gira con Radio K.A.O.S., en septiembre del 87 se publica A momentary lapse of reason, un álbum en el que no aparece como miembro del grupo Wright, sino como colaborador. Y comienzan una gira (los tres) que les llevará por diversas partes del mundo y por primera vez a España; el 20 de julio del 88 en el estadio Sarriá de Barcelona y dos días más tarde en el Vicente Calderón de Madrid.

Poco después la discográfica edita The delicate sound of thunder, que en realidad es el primer disco enteramente en directo de la banda y no es más que un grandes éxitos en directo. Hay que esperar hasta 1.994 para que vea la luz The division bell, un controvertido LP que no es más que una escusa para iniciar una nueva gira. Una vez más pasan por dos ciudades españolas, esta vez el 24 de julio actúan en el Velódromo de Anoeta de San Sebastián y dos días después en el Estadio Olímpico de Barcelona.

Un año después, editan el que hasta ahora es su último trabajo, Pulse. Este doble LP con una curiosa envoltura (una caja con una luz parpadeante) es un conjunto de sus más famosos temas grabados en su última gira por Europa, estando compuesto su segundo CD por una revisión del disco The dark side of the moon en directo.

Fuente: http://www.audiokat.com/biografia.asp?aid=00000023
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28/3/10



¡Bienvenidos!


Que mejor bienvenida que iniciar con un maestro. ¡Que hable el Rock!




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